纯水墨的山水画怎么欣赏

Ⅰ 水墨画的鉴赏

鉴赏墨：如故宫收藏的“乾隆御咏西湖十景十色墨”，色彩各异，墨的形式富于变化。一面为阴文楷书填金乾隆御咏西湖十景十色七言律诗，一面浮起诗中所咏西湖十景图画。依次为“曲院风荷”、“花港观鱼”、“苏堤春晓”、“断桥残雪”、“三潭印月”、“双峰插云”、“柳浪闻莺”、“南屏晚钟”等。画面的构图，以极简练的手法刻画出方题的基本特征，艺术地再现了杭州西湖的美丽景色，形象地反映出200多年前，西湖十景的历史面貌，是较好的鉴赏墨。此套墨为色墨，是绘画用的颜料，有红、黄、青、绿、蓝、棕、白色等色，多为天然色料配制，色彩纯净艳丽，不易褪色。虽早期色墨不多见，但从唐、宋的绘画中，可以看到颜料的精美与华丽。唐人《金碧山水图》，画面以青、绿色彩为主，间施以金描绘出秀丽苍翠的山川，巍峨宏伟的殿阁，展现出辉煌壮丽的自然图景，突出了色彩的美丽。五代著名画家顾闳中创作的《韩熙载夜宴图》，画面前后分作5段，用浓笔生彩的艺术手法，把南唐宰相韩熙载的夜生活，刻画得惟妙惟肖。宋徽宗赵佶的《听琴图》，色彩柔和艳丽，人物传神，更显出色彩的美妙。这些在纸、绢上的色彩，已历经了八九百年，乃至上千年历史沧桑，仍然保持着夺目的光彩，充分显示了这些彩色墨制造精良，是古代鉴赏的佳品。
鉴别文物真伪是文物科研及陈列研究的前提，无鉴别真伪就谈不到鉴定。所以鉴别、鉴定是文物工作者首要解决的。我们鉴别鉴定的目的是为人们提供研究真实可靠实物的参考凭证。我们鉴别墨也一样，要求多看实物、多记实物，通过实物与文献资料相互印证，看后加以思考，善于比较分析，善于发现问题，多看实物是可以对某一名家名作的墨质、题识、图案、墨品、风度认识就越深刻熟悉。加上不断充实自己的学识，多学文献资料，并学会区分歙县与休宁各派的墨品及风度的特点，通过对墨品的了解，即使在没有年款的情况也可以鉴定出是哪些名家墨品。如：康熙三十五年所制“耕织图”墨品，乾隆三十年所制“棉花图”无论仿造、改制，我们都可以断定康熙三十五年以前没有“耕织图”墨品，乾三十年以前没“棉花图”墨品，以后仿造可能就是旧模新作比较容易鉴别真伪。还有清代名家墨品分等级、价格也可以参考。
另外避讳对墨影响，封建社会有国讳与家讳之说。国讳是避皇帝与孔子的名；家讳是避自己祖先的名字。避讳的方法是，在书写时候凡遇到应避的名讳，或缺笔或易字，说念之时改原音。“避讳”对于文物鉴别有一定影响。如“避讳”对于明清两代墨的鉴别尤为重要。明代还可以，在明清两代制墨中品名，斋名常用“玄”字，“玄元灵气”、“九玄三极”等。到了清代康熙皇帝名玄烨，因而“玄”字避讳，或改写元，或缺写一笔，明清两代凡有“玄”字的墨如不是仿造假品，当是康熙以前的作品。如“玄”改写“元”或缺一笔当是康熙以后的作。而由于“玄”字墨品给明代墨带来多少厄运。明代的“玄”字墨到了康熙以后，均挖去“玄”字或将墨毁坏。总之“玄”给明代传品招致厄运，其损失不可估计，但同时也在鉴别方面起到了划分时代的作用。由于明清两代书画受各流派的影响，其风格有所不同；因书画风格不同，其墨模雕刻技巧、手法，显然有时代的区分。明代的书法多遒劲，雕刻手法为了表达遒劲，刀法则需要深厚，才能显示字体雄健，阳文字锋芒峻厉，圭角崭然。清代书法多秀润，雕刻手法必须掌握精秀润细的刀法，才能表达柔丽清雅。绘画与书法完全一致，因之明清两代雕刻墨模的技巧，以明清两代书画不同风格，而形成两大流派：明代墨模，其刀法多深厚有力；清代墨模，其刀法多柔妍精细。其所以不同，实因书法绘画风格不同所致。这样对鉴别明清两代名墨，就可掌握内涵。
明清两代大部分为了更换墨模，不在模上刻用年款，即刻上也在侧面，更换时也不影响墨面。
在墨上考证年代，只能以自制墨来解决，文人官吏嘱墨家制墨不惜墨模成本，带有纪念性的墨品，多署干支年款，这就为我们考证年代提供了方便。
另外从墨模上鉴别墨品，墨模使用年久影响墨面的清晰，凡是初版初刻，花纹、书画、印章均特别清楚悦目；相反，墨模使用久了，墨面就显得模糊不清，可能是复制，年代则稍晚一些，所以说墨模可以反映墨家业务大小，经营盛衰。
墨品的漆衣，是在墨布加刮摩。通过漆衣也可鉴别墨，漆衣墨凡年代较远，漆皮显得浑厚，并呈蛇皮断纹，与古琴相似。断纹不是裂纹，有纹不裂，隐蕴在漆皮之间，又与古瓷开片相同。漆皮墨盛于万历年间，清康熙墨少见，乾隆晚期以后漆衣墨，其光泽漂亮有余，而苍厚浑朴不足。墨上的漆边也可作为不同时代的风尚，有助于我们对年代的鉴别。明代大从漆上下左右侧通漆边，正面背面为本色。清代多漆两面的边，两侧上下都不漆。

Ⅱ 怎样鉴赏一副中国水墨画

鉴赏中国水墨画首先要有深厚的绘画功底，其次要会欣赏中国水墨画，不似平常画一样欣赏它的美与不美，而是透过表面看深层。

Ⅲ 如何解析欣赏中国山水画

众所周知，中国传统文化的核心是“道”，何谓道？用现代的话来说，就是宇宙万物自然发展的内在规律,中国古代的“道”的思想即使在今天还是具有很高的科学文化价值的。好的花鸟画.人物画亦强调得道成画的,但由于体现天地之道不充分,故只能被视着“小品 ”。
山水画，画的是天地山水小船屋宇树木等,一般人们看画也就是看到这些东西,第一是喜欢,其次是想去想居。其实，中国山水画的文化内涵远不止此。外形式的东西只是中国画家通过道术表现自身对道体的理解而借用的载体而已。目的不是画这些素材类的东西以至逼真，而是想力求表达出自己对大自然的一种感悟以求通达天地之道.
中国龙在学者眼里是中国人在历史的演变过程中逐渐形成的图腾标志，在中国画家眼里它是自然界能量运动之痕，大理石的花纹在一般人看来只是一种普通的石头花纹 ，在中国画家眼里它就是自然界能量运动之迹，万物包括生命体就是顺应这一痕迹而形成发展的。
中国文化是自然主义文化 ，以体现蓬勃向上的生命气息为原则。这也就是一个中国画家毕其终生要追求的东西，同时自身也获得长寿。万物相杂自有序，中国古人发现这个序就是太极八卦.阴阳五行，中国山水画表现天地万物时也表现这一学说，因篇幅所限，在此恕不详述。
山水画即求天地之大道,上面谈到的形.理.性.势.气五阶段与我们日常生活,工作也是同理。以工作为例，形即外观事物或我们面对的工作，理.性.势.气即内在本质,是未知结构,不同优秀度的领导者就是对内在未知结构的把握度不同,达到通气的水平就是对事物或工作的规律全面掌握,了如指掌,驾轻就熟,这当然是最优秀的领导者了,但这样的人不多。中国山水画大师不多也就是这个理。
下面再给大家谈谈山水画的技法问题。中国画的工具材料全都按自然主义原则采自自然界，有笔.墨. 纸.颜料等，毛笔是最主要的工具。从毛笔的顶端看，中间一点，周围一圆圈，中国传统文化认为，偌大一个宇宙的形成最早是由一点开始的，谓之太极，圆指的是宇宙整体。中国人也在宣纸上实践了这一思想观点，从笔尖一点画出天地万物。把山水画的技法看作“道术”是再得体不过的了。由于山水画的绘画原则所限，学习山水画的笔墨技法往往需要化几十年的功夫，第一原则就是笔墨要松，绘画史已经证明，笔墨从拘谨到放松，与人类不断在发展中得到解放是同步的。然后笔墨在质的表现上，根据中国道的原则及人的基本修养标准，有八个总结：刚.柔.动.静.诚.信.和.灵。中国的阴阳观，以阳刚为上，阴柔为下，但刚者易折须以阴柔辅之，故具有张力的柔和笔墨（外柔内刚）为高。
中国对动静的辨证关系是很有讲究的，生命必须是动，而静者生智静者寿，故动中见静，静中见动为高。天地以德（正气）运行营造万物乃至生命，人们以德行世友好相处，诚信（按道理办事）固然重要，所以好的笔墨往往是憨态可鞠的。和即和谐，高度有序也，好笔墨是变化丰富而不乱的。灵指灵性，有灵性的笔墨生命无处不在，这是对画的基本要求，然而又是最为重要的，没灵性的画那就一无是处了，这是由画家本人是否有灵性来决定的。
古人谢赫评画称气韵生动为第一就是这个理。其实中国画的笔墨标准与我们完美的人性人格修养标准是完全一致的，我们甚至可以把中国画学比作“人学”。
近现代以来，中国山水画的现状如何呢？主要现象有三种。一是标榜中国传统文化，泥古不化的。二是标榜画家个性，标新立异的。三是批判传统,重彩作画，搞中西结合以此来改造发展中国画的。尤其后两者是当代中国画坛的主流。人类历史总是在突破中前进，这是无可厚非的。但我们对这些过程中产生的各种偏执有清醒的认识，多一些自己的思考也是应该的。
对以上三种现象评析如下，纯属个人见解 ，以供参考。
第一种泥古传统，好的方面是可以在学习传统的同时打下扎实的基础，好画亦为中国绘画轨迹留下一些记印，关键是在思想认识上要知道中国绘画的历史也是多元发展的历史。
第二种个性发展，这是按艺术创造规律进行艺术创造的最高准则，强调个性创造，上世纪初“ARTS”被 引进以来，以艺术形式在宣纸上画中国画的人成为主流，学院派至今依然如此。因为是个性化的，好坏只能是各人各看了。他们的特点是无文化包袱，思想解放。
第三种批判传统搞中西结合的 ，这是运用重彩想为中国画创出一条新路子的勇士们 的一种勇敢的尝试，其本质是用艺术的砖来敲中国文化的门，历史会记下这些痕迹，成败自然由历史去评说。
这三种现象客观存在，孰对孰错化太多的笔墨去评说，并没多大意义。当我们睁眼看看天上的飞机.海里的大船.奔驰的火车，我们自然会感到我们今天的生活空间之大是古人无法比拟的，整个世界都是我们学习的课堂。对他文化一无所知，死抱着自己祖宗的传统不放，孤芳自赏，夜郎自大，关闭自守，这是对中国传统文化的扼杀！我们如果能下功夫学习研究把握住中华民族自己的文化，张开双臂去拥抱整个世界，不是拿着自己的文化去与他文化攀比，而是主动寻找契入点和各国各民族的文化对话，吸取他文化的营养丰富自己，尤其注意向当今世界最先进文化学习，不是中西结合，而是东西南北中全方位结合，我们中华文化才会发展得更加完美，更加辉煌！
因为艺术的概念不足以涵盖中国山水画，故从文化的视角简略地提一下，也是为了表述的理由能更充分些。近现代以来，对中国山水画改造革新的主流，还是一些中西结合的倡导者，他们是勇士，但他们在画面上的表现主要是大胆地泼倒涂色，这里有两个问题值得探讨。一是西指何方？西方文化仅是色彩，就这么贫乏肤浅吗？二是中国人也长眼睛，中国也有太阳，中国何曾不重视色彩？中西结合的倡导者们的绘画只能说是一种现象，是否有学术价值，还需要历史的验证。但由于交通的便利，各国的互相往来，有限的文化交流，对中国绘画的影响还是有的。西方文艺复兴后，人性得到很大的解放，奔放潇洒及油画技法的笔笔见笔的 特点在近现代的中国山水画中时常可以看到，但西方人对复杂丰富的色彩关系的处理水平很高，在中国山水画中运用的好的还不多见。过于复杂丰富的色彩运用在中国山水画会有损中国山水画的静雅气息，如果我们在文化对话中能注意到这一点，研究尝试，这也是一个不小的课题
对上述内容作一个归纳总结，我们不难知道，当我们欣赏一张近现代中国山水画时应注意几点：一.气韵生动雅致,二.笔墨良好潇洒,三.章法运作合理,四.色彩淡雅丰富,五.素材憨态有味 ,六.传统功力深厚。 要加以说明的是这六点是中国山水画的最高标准，不易达到。一位在认识上清醒而为此努力奋斗一辈子的画家都未必成功（大多数认识有错的画家那就免谈了）。因此当我们欣赏一张中国山水画时也只能看看其相对的水平，不要太苛求了。

Ⅳ 怎么描写水墨山水画

泼墨画法是中国美术里的一项独有的绘画创作技巧，其对画家的基本功底要求是较为严苛的，必须要有深厚的画技底子和对于图形感观的艺术创造能力。

Ⅳ 怎么欣赏山水画

对于大多数收藏书画的人来说，欣赏山水画只止于能否看懂，他们的欣赏步骤是：画的是什么?画得像不像?画家这种造型的寓意是什么?如果都回答出来了，便认为这幅字画他们看懂了，如果回答不出来，便认为是看不懂。这种欣赏的方式其实就是线性的思维方式，很片面不深入。用这种方法来欣赏中国山水画，一般来说，工笔山水比较容易看懂，因为他描绘的都比较真实。 如果水墨大写意山水画，就很难欣赏了，因为它具体，太抽象。当然，一般人用这种方法欣赏山水画是完全可以理解的，因为画得像，看得明白，才容易引起联想、产生共呜。但是我们必须明白，一幅山水画作品的好坏，却不是以像或 不像来衡量的。 就艺术而论，我们衡量一件山水画作品的好坏，或我们欣赏一件山水画作品，首先不在于它像或不像，而在于山水画作品的主题，或者说山水画作品中所辐射出的某种观念、某种思想、某种情绪，能否紧紧地抓住观赏者的心弦，能否给人以充分的艺术审美享受，并使人从中获得某种启迪和教育。 应该说，这才是一切艺术作品的真正目的。像与不像仅仅只是作品一种达到目的的手段而不是目的本身。因此像与不像就不能作为衡量作品的好坏或欣赏作品的标准。 那么，画家们是怎样来看画的呢?就国画而言，内行人看画一般是看画面的整体气势，用美术术语来说就是先体味其神韵，或者神似，然后再看它的笔墨趣味，构图、着色、笔力等。最后才看它的造型，即像不像或形似。内行人的这种抓神韵的欣赏方法当然是抓住了实质，因为神韵就是一种高的艺术审美享受，常常是中国画家们的追求达到的目标。 当然，一般的人要从画中去体验到一种神韵却并不是一件容易的事，那不但需要一定的审美能力、艺术修养，也还需要具备一定的山水画方面的基本知识，特别是通过山水画而训练出来的一种感觉。所以要很好地欣赏山水画，还得具备多方面的才能和艺术修养。 但是，如果我们从以下几个方面去欣赏山水画作品也许更能理解一些。有人提出，字画鉴赏需要经过审美感知、审美理解和审美创造三个阶段，那么从这样三个方面去欣赏山水画作品是很有道理的。 审美感知就是要求我们直观地去感知审美对象，即艺术作品本身，我们可以去感知山水画上画的是什么?画得像或是不像，色彩是鲜明的或是灰暗的，线条是流畅的或是笨拙的，表现手法是工笔的或是写意的等等，总之要自己亲自地平心静气地进行直观的感受。第二步，在审美感知的基础上进行审美理解。即在直观感受的基础上，进行理解和思考，把握作品的意味、意义和内涵。这种理解包括对作品的艺术形式和艺术技巧的理解;对作品表现的内容和表达的主题的理解;以及对作品的时代背景和时代精神的理解等等，这就需要充分调动我们的思考能力。 我们可以一步一步地想下去：这幅山水画作者想要表现什么?是通过什么手法来表达的?所采用的艺术手段是否恰当?能否充分地表达出主题?同时，透过作品的画面，猜测作者的心思，是热情地歌颂或是辛辣地讽刺;透过画面的气氛，体验画面的情调：是深沉或是豪放，是乐观或是悲伤。再还可以根据已有的知识结构，结合作者的身世、创作特点和所处的时代背景等进行分析。 最后山水画的欣赏，还有一个审美创造阶段。就是通过审美的感知和审美的理解后，在对作品审美的基础上进行再创造，通过自己积累的美得体验、文化知识、生活感受等进行丰富的想象、再创造出一个新的意象来。这样你才能真正的欣赏到山水画的美来。

Ⅵ 如何赞美水墨画的意境美

可以用诗词来赞美。

1、君看六幅南朝事，老木寒云满故城。

《金陵图》唐代：韦庄

谁谓伤心画不成，画人心逐世人情。

君看六幅南朝事，老木寒云满故城。

释义：

谁说画不出六朝古都的伤心事，只不过是那些画家为了迎合当权者的心态而不画伤心图而已。你看这六幅描摹南朝往事的画中，枯老的树木和寒凉的云朵充满了整个金陵城。

2、布袜青鞋约，但向画图寻。

《水调歌头·题西山秋爽图》清代：纳兰性德

空山梵呗静，水月影俱沉。悠然一境人外，都不许尘侵。岁晚忆曾游处，犹记半竿斜照，一抹界疏林。绝顶茅庵里，老衲正孤吟。

云中锡，溪头钓，涧边琴。此生著几两屐，谁识卧游心？准拟乘风归去，错向槐安回首，何日得投簪。布袜青鞋约，但向画图寻。

释义：

空山梵呗，水月洞天，这世外幽静的山林，不惹一丝世俗的尘埃。还记得那夕阳西下时，疏林上一抹微云的情景。在悬崖绝顶之上的茅草屋中，一位老和尚正在沉吟。

行走在云山之中，垂钓于溪头之上，弹琴于涧水边，真是快活无比。隐居山中，四处云游，一生又能穿破几双鞋子，而我赏画神游、的心情又有谁能理解？往日误入仕途，贪图富贵，如今悔恨，想要归隐山林，但是这一愿望要到何日才能实现呢？只希冀从这画中找寻。

3、其余七匹亦殊绝，迥若寒空动烟雪。

《韦讽录事宅观曹将军画马图》（节选）唐代：杜甫

昔日太宗拳毛騧，近时郭家狮子花。今之新图有二马，复令识者久叹嗟。

此皆骑战一敌万，缟素漠漠开风沙。其余七匹亦殊绝，迥若寒空动烟雪。

释义：

当年唐太宗著名宝马“拳毛？”。近代郭子仪家中好驹“狮子花”。而今新画之中就有这两匹马，使得识马的人久久感慨赞夸。这都是战骑以一胜万的好马，展开画绢如见奔马扬起风沙。其余七匹也都是特殊而奇绝，远远看去象寒空中飘动烟雪。

4、素练风霜起，苍鹰画作殊。

《画鹰》唐代：杜甫

素练风霜起，苍鹰画作殊。㧐身思狡兔，侧目似愁胡。

绦镟光堪擿，轩楹势可呼。何当击凡鸟，毛血洒平芜。

释义：

洁白画绢之上，突然腾起风霜气，原来纸上苍鹰，凶猛不同一般。竦起身躯，想要捕杀狡兔；侧目而视，目光深碧锐利。只要解开丝绳铁环，画鹰就会凌空飞去；只要轻轻呼唤一声，画鹰就会拍翅飞来。何时让它搏击凡鸟，我们就会见到凡鸟血洒草原的壮观景象。

5、绝笔长风起纤末，满堂动色嗟神妙。

《戏为韦偃双松图歌》唐代：杜甫

天下几人画古松，毕宏已老韦偃少。绝笔长风起纤末，满堂动色嗟神妙。

两株惨裂苔藓皮，屈铁交错回高枝。白摧朽骨龙虎死，黑入太阴雷雨垂。

松根胡僧憩寂寞，庞眉皓首无住著。偏袒右肩露双脚，叶里松子僧前落。

韦侯韦侯数相见，我有一匹好东绢。重之不减锦绣段，已令拂拭光凌乱。

请公放笔为直干。

释义：

天下有几人精于画古松？毕宏已老韦偃还年轻。画成停笔便觉松梢长风起，满堂观者无不动容叹神奇。两株古松暴裂着长满苔藓的皮，盘绕的高枝有如青铁交错而屈曲。剥蚀的树干好像龙虎的白骨，阴森的树叶好像低垂的雷雨。松很处一位西域僧人在静息，眉发斑白神情超脱无拘羁。

袒露右肩光着双脚，身前松子落满地。韦侯啊韦侯尽快来相见，我有一匹好素绢。其价不亚于锦绣缎，舒展时把那光影乱。我已让人把它修饰得平展，请您挥笔画直干。

Ⅶ 怎样欣赏中国画

1、看

“四看”原则：一看气韵；二看意境；三看笔墨；四看诗书画搭配。

对人物画的欣赏要像看电影、看小说、看环画那样看其是否用笔精准，看其是否细腻传神，看其是否主题突出、故事精彩、情节感人。

2、游

对待山水画欣赏要像旅游区旅客观景一样一路仔细地观览过去。北宋画家郭熙提“高、深·平”的“三选法”，就是对待一幅完整的山水画要采取“平远、深远、高远”的办法来进行鉴赏。

3、悟

对待花鸟画欣赏要像在花园里赏花在古玩店里鉴赏古玩一样认真观赏，最后参悟出其精神内涵和表达的主题思路。

最后，简单的说说当前中国画鉴定：

一是看纸质（新老渲纸、麻纸、帛，有别于老画新画）；

二是看笔墨（是否是印刷品再添笔，现今行画有本刻水印，作坊拼图等高仿作品）；

三是看结构（是否属于拼凑成图）；

四是看绘印（书法、印章是否真实）。

(7)纯水墨的山水画怎么欣赏扩展阅读：

一、中国画的特点

1、讲究“气韵生动”，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉

2、讲究笔墨神韵，笔法要求：平、圆、留、重、变。墨法要求墨分五色，焦、浓、重、淡、清。

3、讲究“骨法用笔”，不讲究焦点透视，不强调环境对于物体的光色变化的影响

4、 讲究空白的布置和物体的“气势”。

二、中国画的分类

1、人物画

我国的人物画，历史悠久。据记载，商、周时期，已经有壁画。东晋时的顾恺之专尚画人物画，是在我国绘画史上第一个明确提出"以形写神"主张的画家。唐代阎立本也擅长人物画。还有吴道子、韩斡等等。都为人物画做出了的贡献。唐以后画人物画的画家就更多了，历代都有。

2、山水画

山水画(俗称风景画、风光画)，是专门的艺术学科，历史悠久。自唐代以来，每一时期，都有著名画家，专尚从事山水画的创作。尽管他们的身世、素养、学派、方法等不同；但是，都能够用过笔墨、色彩、技巧，灵活经营，认真描绘，是自然风光之美，欣然跃于纸上，其买相同，雄伟壮观，气韵清逸。

3、花鸟画

中国花鸟画多姿多彩，引人入胜。它与山水、人物画并列为中国绘画艺术的专门学科。花鸟画就广义讲，应包括花鸟、禽兽、昆虫、鱼介等。

Ⅷ 水墨画究竟怎么欣赏

其实 水墨画 本身就有几个很典型的特点，也即是本身就具有某些现代表现手法的特征：单纯性、象征性、自然性。三者中，单纯性可以发挥到当代的“极限主义”， 象征性可以转向“概念艺术” 、“抽象表现”和象征主义。因此，传统套路中早早就孕育了现代艺术才达到的一些方式和手法，要转变它的整个方向，恐怕相当困难。这也就是为什么理论界喋喋 不休的争了几十年，到现在也没有看见多少成功的突破流派。漫说流派，就是具有强烈个人风格走向的画家也是凤毛麟角。而社会、大众、艺术界对这些变革之后的 作品的承认、接受又非常有限。 1400多年水墨的发展，的确有不同时期的差异，现存的唐宋人画山水多湿笔，出现“水晕墨章”之效。元人始用干笔，墨色更多变化，有“如兼五彩”的艺术效 果。中国人喜欢以奇数说事，因此把墨可分作墨、淡墨、浓墨、极淡墨和焦墨五墨，也就是焦墨一浓墨一重墨一淡墨一清墨五层次。其实，墨因水分稀释而千变万 化，又何止五色呢？ 浓淡配合，干湿配合。“浓破淡”的方式，画面感较为融合。而“淡破浓”的方式，由于生宣纸有先入为主的特性，尤其是浓墨八成干时再用淡墨或清水去破，这样，先画的部分就较为清晰。 墨厚了，就叫做“积墨”，是为了使画面厚重。一次用墨不够分量，可反复加强。积墨积在什么地方好呢？如果墨色非常淡薄，叫做“淡墨”，用墨的时候追求透明、纯净。笔与笔之间形成的水印。淡墨与浓墨呼应、对比、相互依托，才有浓、淡之感。 20世纪初期，已经有一批画家提出吸收西画的技法和概念，才能促进 水墨画 的现代化。当时的探索大致分为两类：一类是在继承传统绘画的基础上，吸收外来艺 术，走一条融合中西的创作道路。另一类是从内到外完全摆脱传统绘画的影响，走一条用西方现代艺术的观念来进行创作的道路，但是并不放弃使用传统 水墨画 的笔、墨、纸等媒材。走了一百多年，特别是从1978年改革开放以来，更是风起云涌。但是到今天看看，没有什么人能走出来一条康庄大道来。画界、评论界的争 论我看倒无所谓，有所谓的是绘画需面对的收藏家和观众，他们对这些探索态度冷淡，大部分甚至有点无动于衷，哪能够说成就呢？博物馆不收藏，收藏家不收藏， 观众不看，刊物介绍也少，评论家各自说自己的看法，永无定论， 怎么 推进呢？ 当代的水墨有一种民族艺术的标记，虽然日本、韩国也有人画水墨，但是真正能带给世人感受的水墨，还是跟中国形象密切相连的。你非说是西方当代艺术形式，不 过用了水墨表现，西方评论界多半不吃这一套，就说你是中国的传统手法。几个一直在外国做水墨创作的艺术家，比如杨佴一直在日本，他的作品明显受法国印象主 义以后的画家影响，画的还是 水墨画 。我到日本和多摩美术大学的几个教授谈水墨问题的时候提到他的作品，他们轻描淡写地说他是中国 水墨画 家，没有一个人认为 他是后印象派的；台湾的袁金塔、刘国松、香港的王无邪，因为他们作品的媒材主要还是宣纸和水墨，虽然他们的作品与传统 水墨画 已有了明显的距离，但我在美国 看他们的展览时，注意到旁边的美国人都这样评说“中国画能够这样画真有趣”，却并没有听过一个人说这是当代西方艺术的发展。是不是有点“媒体决定论”的问 题呢？我不知道。但是这种特定的媒体，特别是笔墨宣纸的框框，基本给这类画打上了一个民族标记。 几类当代 水墨画 家中，有把传统水墨的本末里外全抛弃，用 水墨画 当代试验画的一批人。最近这些年，我看见在大陆冒出好多 水墨画 家群体，有传统 水墨画 、实验水 墨画、表现性 水墨画 和新文人画等群体。这批画家都比较年轻，从他们的创作来看，起码有一点我看是共同的，就是他们所受的美术教育都是西式体系的，他们的艺 术概念是西方的绘画艺术观念和形式因素，水墨仅仅是用来创作的工具而已。比如我看见的张羽、刘子健、阎秉会、魏青吉、方土等人，他们的作品是试验性水墨的 经典。而就我看，则是西方的技法背景、艺术思想水墨化的结果。我自然不反对这种探索，但是如果从水墨来说，把技法、表现的概念都换了西方的，那么剩下来的 除了宣纸、水墨之外，还有什么呢？问题是这类型的试验水墨在西方艺术界也未必得到肯定和接纳，这样就形成了一个不上不下的状态。 另外一批人，则去本留末，去里留外，延续传统水墨的路走，添加进去一些西画的元素。赵绪成、董小明、孙海清、钟儒乾等人的这些作品明显地让人感到是受现代 艺术形式的影响，所表现的对象却是中国的。这样是用中国的皮来弘扬西方的神，如赵绪成将抽象表现主义的形式和石窟艺术的历史感结合起来，董小明将熟悉的水 墨形式与抽象主义的节奏感结合起来。他们的创作乍一看是中国题材的，再细细看看下去却感受到了北欧冷漠的隔世感，是德国的表现主义艺术。表现意识是中国写 意传统，是用水墨表达现代主义。 在众多的试验性水墨艺术家中，台湾的刘国松凭借其画作宇宙风景是最早取得成功的一位。张羽、王无邪画显微世界；黄一瀚画虚拟世界；还有我看到张正民的《时 尚制造》，高鹏的《金陵不夜城》，薛亮的《都市墨意之一》，谢海的《科隆景象》，韩书力的《乐生图》，杨怀武的《四条屏》，冯劲松的《荷塘印象》，王法的 《城市建筑》，王剑阁的《崛起》，陈辉的《皖南印象之一》，黄孝逵的《清水居鸟生四图》……，真是五花八门，琳琅满目。当代 水墨画 突破了传统符号象征体 系，也突破了上世纪50年代以来形成的“新传统”的范围，越来越趋向一种多样化、个人化的世界。当代 水墨画 反映了我们生存环境中不断变化的个人态度。 这些作品，我在好多水墨大展中看过，数量庞大、尺寸庞大，也的确有些想法。在我来说，第一，因为对西方的当代艺术了如指掌，对于那些作品中的西方当代元 素，我可以说是熟视无睹。如果这个核心打动不了我，那么我认为余下的水墨也只是是很表层的，既缺乏传统笔墨的根基，又还没有形成当代艺术技法的体系，所以 怎么 看都是空空荡荡。去年在广州美术学院的新展览馆中看了一个大型的水墨展，在广东美术馆看了三年展，其中的水墨作品，思想和形式内容双空的实在多。艺术 家中好多除了要做到耸人听闻之外，好像没有什么想说的，没有什么潜台词，也没有什么技法来承载他们的概念，展厅中看的人都很沉闷，我估计是谁也没有看懂。 说危机，我看这种不旧不新、不中不西的心理状态才是最大的危机。 看完这类当代 水墨画 展，我走出门来心里经常是闷闷的，往往也没有什么评论可说。我在美国的当代艺术馆出来却不是这样的，经常会有感而发。也可以看到有好多 评论家都滔滔不尽地进行评说，评论的文章也言之有物。是不是当我们走西方风格的时候不求甚解，而对于传统又嗤之以鼻造成这样的尴 尬呢？

Ⅸ 怎么样去欣赏一幅山水画

山水画属于中国化范畴，首先用笔可以分为繁、简，是写意还是工笔，就是画的墨色多还是少，细密还是简略，又可以分为水墨、浅绛和青绿，水墨属于不是很像、但意思到了的画法，浅绛和青绿一般是工笔画法，尤其青绿更是，工笔指的是画的很细密周全、真实可信。
写意和工笔各有利弊，写意要求不拘泥于形似但神情要对，笔法要简而美，工笔要求细腻生动。
然后，要看手法的新旧，一般艺术的处理要新，不必总是前人的方法，比如山石画法，宋代范宽的雨点皴、米芾的米点皴、马远的斧劈皴都属宋代的，今天总用，就不是特别有创造性，所以后来岭南画派黎雄才们的山水画才有创新，受欢迎。当然，如果以前人手法创作的作品，所谓“老瓶装新酒”，也算不错。
最后，其实也是最为关键的，还要看作品的品位，譬如表演艺术，有的就高雅，有的就低俗，一般市面上卖的山水画多有甜俗之弊，不过一般挂家里看看也还可以，如果笔墨呆滞而品位过低，则不如不买。
一般美术史上大家作品，都是从技法风格到品位都出众的，所以经得住一代代人挑剔的目光。

Ⅹ 新手小白该如何欣赏中国水墨画

首先它是以墨为主要颜料，以水为调合剂，以毛笔为主要绘画工具，以宣纸和丝绸为载体的一种具有民族特色的独特绘画类型。她植根于中华民族丰富的文化土壤。跨越不同的时空，经历了萌芽、发展、成熟、创新、再发展的许多不同阶段。形成了集民族文化素养、思维方式、审美意识和哲学观念于一体的完整艺术体系。因此，中国画和西方油画形成了两个对立的艺术高峰。

再者古人首先将水墨画分为“神、妙、能”“三等”。夏文彦的解释是：“神灵生动，从天而降，人不见其巧，谓之神品。笔墨极好，用染得当，意不仅仅是有趣，它们被称为奇妙的产品。那些在不打破规则的情况下获得形状的人被称为奇妙的产品。产品的力量”。一幅画的好坏，要从它的气象、笔墨、韵味这三个方面衡量。